Riel Estrena Video para “Paseo Psicodélico”; Rock Luminoso para Despertar los Sentidos

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Se acerca un baño sonoro de altas temperaturas. El dúo argentino formado por Mora Riel y Germán Loretti, Riel, acaba de lanzar un nuevo videoclip para “Paseo Psicodélico” del homónimo EP producido a mediados del 2018.

La banda nos deleita con un material visual sencillo, centrado en las luces y figuras que surgen de los contrastes luz/sombra. Las texturas y colores incandescentes se mezclan con los cuerpos de Mora y Germán. El tema seleccionado de su último EP, sirve de antesala para el cuarto material de larga duración que el dúo está cocinando. Cargando siempre una vibra magnética y soñadora, Riel, engrasa los metales para su próxima locomotora de psicodelia y garage liviano.

El nuevo video estuvo a cargo de Minsk Visuales.

Su álbum anterior, “Sueño Eléctrico”, se lanzó en el 2016, y desde entonces han tenido altísimas presentaciones, compartiendo escenario con bandas como: Moon Duo, Holy Wave, Oh Sees y DIIV, entre otros.

Acá abajo pueden llenarse de las ondas radiantes de su último LP a través de Bandcamp:

 

Fotografía en portada por Minsk Visuales

 

Los Mundos estrenan el ácido ‘Ciudades Flotantes’

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Ciudades Flotantes es el quinto álbum de Los Mundos. El material fue grabado y mezclado en Monterrey, donde le imprimieron un fuzz ardiente y ritmos delirantes. Apenas hace algunas semanas la banda adelantó Rompe Tu Guitarra, tema del nuevo disco.

En 10 pistas Los Mundos construyen una psicodelia corpulenta. La masa de guitarras, bajeos y vocales graves es evidente desde el principio. Conforme el álbum avanza la ambición de los instrumentos crece. El Oro de Los Tontos Boneville son  pistas densas que inducen al misterio e hipnotizan. Los Mundos es otra canción con una densa extrañeza y fuerza desarrollada lentamente.

En general este álbum es un vaivén de cuerdas aceleradas e instrumentos lentos, alucinantes y potentes. Ciudades Flotantes ya está disponible a través de las principales plataformas de streaming. 

De cara al showcase del Levitation; Los Mundos estrenan el tema ‘Rompe Tu Guitarra’

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La semana del Festival Nrmal trae consigo una serie de eventos que movilizan y entrelazan diferentes sectores del underground; en esta ocasión el Showcase del Levitation es uno de los que más ruido hace, donde Los Mundos figuran en el line-up de stoner y psicodelia.

A una semana del showcase la banda estrenó “Rompe Tu Guitarra”, que será parte de su próximo álbum, Ciudades Flotantes, por estrenarse el 30 de marzo. Su quinto álbum llegará después de haber lanzado “Las Montañas” en el 2016, material que acumula una densidad hipnotizante.

Rompe Tu Guitarra aterriza como un himno de batalla y aliento en la psicodelia mexicana.

Psicodelia desacelerada: Makeshift debuta su álbum homónimo

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Makeshift es una banda originaria de Caen, Francia. Su primer álbum se lanzó a través de WeWant2Wecord y amalgama 9 tracks llenos de delirio.

La banda tuvo una aparición en noviembre del año pasado con un video para Lazily; segunda pista de su nuevo material. Cada tema del álbum aporta sonidos tan alucinantes como sosegadores. Aunque las copias en físico se encuentran agotadas, pueden escuchar Makeshift a través del bandcamp de WW2W.

 

Chicha: La Historia De Un Desorden Tropical

Comentario/Opinión

El siglo veinte vio el nacimiento de géneros musicales pioneros, llegando a millones de personas a través de los medios masivos. Esto es particularmente cierto cuando hablamos de Estados Unidos y Europa. Por la misma época América-latina atravesaba por grandes cambios culturales, mismos que generaron un cambio acelerado en la música; la salsa se expandió en Norte-América a través de la migración, diferentes estilos de cumbia surgieron en Centro-América, y durante los años 70s, Perú desarrolló el sonido de la Chicha, o como se le ha llamado últimamente: chicha sicodélica.

Los Destellos

“En los primeros días de la Chicha una de las bandas más prominentes fue Los Destellos, formada por Enrique Delgado en 1966.”

No sería una sorpresa si en estos días alguien nombrara a la chicha como un predecesor escondido del rock sicodélico, como ha pasado anteriormente con el punk y la banda de “proto-punk” peruana Los Saicos. Sin embargo la chicha tiene muy poco que ver con el rock sicodélico y mucho que ver con los campesinos e indígenas amazónicos migrando a Lima. Cuando esto sucedió, la vida en la capital peruana estaba cambiando gracias a la industrialización, y el choque de culturas se reflejó rápidamente en este tipo de música. La inmersión de pedales como fuzz-tone y delay en las cumbias tropicales, fue una innovación distintiva y consecuencia de estos cambios.

La Chicha estaba a punto de desafiar las formas tradicionales de hacer música y obtuvo popularidad en todo el país. Las guitarras amazónicas, percusiones rítmicas, y letras significativas expandieron el género a otros países. En los primeros días de la Chicha una de las bandas más prominentes fue Los Destellos, formada por Enrique Delgado en 1966. Esta banda ofrecía una combinación de guajira, boogalo, guaracha y rock sicodélico. Los estilos contrastantes de los ritmos autóctonos con música moderna cautivaron a una gran audiencia de diferentes lugares. Esto es evidente en canciones como “Onsta la Yerbita” (1971), dónde una voz hipnótica crece lentamente, acompañada por una guitarra suave; percusiones tropicales complementan la atmósfera relajada, y conforme la canción avanza, el sonido estruendoso de un riff con fuzz crea el ambiente sicodélico el resto de la canción.

Esta fue una de las pocas canciones de chicha haciendo referencia a la marihuana, y probablemente una de las canciones más populares de Los Destellos entre las nuevas generaciones. A pesar de esto, la banda consolidó su éxito con otras canciones, como Elsa”, y años después lanzarían la canción “Marihuana no” intentando persuadir a la juventud peruana  para alejarla de las drogas.

Las referencias a las drogas fueron menos frecuentes en la Chicha como un género consolidado, y conforme el tiempo pasó, se volvió más un símbolo de orgullo para las comunidades rurales. A finales de los 70s la banda Chacalón y la nueva crema emergió como un nuevo icono de la cumbia andina. Su fama se disparó con la canción “Soy provinciano”, en un tiempo de gran discriminación contra los indígenas amazónicos y los inmigrantes en Lima. Después del éxito conseguido, Lorenzo Palacios Quispe, mejor conocido como “Chacalón”, formó Los Shapis continuando con la internacionalización de la chicha. Seguido de esto, varias bandas como Los Mirlos y Los Hijos del Sol siguieron el camino al éxito creando cumbia andina y chicha,  inspirándose en la jungla peruana. Las guitarras eléctricas fueron una constante a lo largo de las canciones alegres de estos artistas, el uso del pedal wah-wah fue mucho más intenso que en las cumbias colombianas y géneros similares.

A finales de los 80s otros países latinoamericanos como Argentina, Colombia, Ecuador y México habían escuchado hablar de la chicha, y sus influencias se hicieron extensas en la cultura hispana. Los años pasaron y la chicha permaneció en la oscuridad para el resto del mundo, pero esto ha ido cambiando. En el 2007 fue lanzada la compilación “The Roots of Chicha: Psychedelic Cumbias from Peru”. Este álbum contenía un vasto repertorio para las personas iniciando su viaje en los sonidos amazónicos, o simplemente re-visitando las raíces de las cumbias peruanas.  Como consecuencia, generaciones más jóvenes empezaron a interesarse en los orígenes de la cumbia, y con el apogeo del internet el acceso a esta música se ha vuelto más simple. Tal vez hayamos escuchado acerca del re-nacimiento del rock sicodélico a través de las bandas neo-psicodélicas, así que ¿por qué no pensar en que su contraparte hispana podría hacer lo mismo?, ambos nacieron en contextos diferentes, pero con similitudes interesantes y una inmensa variedad de sonidos. Hoy existen algunas bandas que interpretan éxitos de la chicha, así como bandas que componen música influenciada por la misma, por ejemplo, Chicha Libre, una banda de Brooklyn que ha lanzado dos álbumes y un EP, rescatando la esencia de la cumbia peruana y creando lo que podría ser fácilmente considerado como “neo-chicha”. Si es tu primera vez escuchando este tipo de música puedes empezar con las compilaciones en Youtube. Ten por seguro que van a ponerte a bailar.

 

Por Enrique Becerra

 

 

Fuentes:

El Rock Impertinente

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     Recientemente la revista Esquire publicó un artículo con el título: “Rock isn’t dead: You’re just looking in the wrong place” (El rock no está muerto: Solo estás buscando en el lugar equivocado); bandas como Parquet Courts, Twin Peaks y Car Seat headrest relataban cómo han cambiado las formas tradicionales del rock, y su distribución. Así como usaron estas bandas para dar su testimonio, pudieron haber mencionado artistas como: Hinds, Allah la’s, The Growlers, Boogarins, etc., algunas bandas con más trayectoria que otras, pero todas relativamente recientes y con ciertas similitudes.

En el caso de estas bandas, y otros artistas emergentes que tienen menos alcance, es recurrente el sonido Velvet Undergroundesco lo-fi, a veces un tanto psicodélico. Ahora, si bien es cierto que estos artistas trajeron de vuelta al rock n’ roll con nuevas generaciones, y con nuevos medios de distribución, no podemos decir que tenga la misma relevancia que hace medio siglo, es por eso que hago la afirmación: El rock n’ roll no está muerto, y no lo estará pronto, pero no tiene la misma relevancia que hace 50 años y eso está bien.

No solamente es la popularidad que está en debate, ya que hay una gran cantidad de música “impopular” que es relevante para nuestros tiempos. Partamos de que hoy en día no es lo mismo descargar la discografía completa de Jimi Hendrix que haber conseguido una copia original del Are you experienced? en los sesentas. Esto por el simple hecho de que el rock, así como muchos géneros, tiene una fuerte carga social, va marcando época, y va en función de las normas y valores que existen en un determinado tiempo, rompiendo lo establecido. Por esta razón en nuestros tiempos, queramos o no, Hendrix no es un artista que nos represente. Otro ejemplo más claro sería el primer disco Black Sabbath, que abrió una brecha entre el rock ya explorado y el metal sucio, lleno de perversión y oscuridad que emanaban de Ozzy Osbourne. Su lanzamiento fue tan pertinente como necesario para la música y recibió una lluvia de críticas apaleadoras, la misma revista Rolling Stone que hoy los pone sobre un pedestal los había atacado hasta el cansancio. Black Sabbath pronto se convirtió en un exponente pionero del metal, e icono de una generación que ciertamente no se parecía a la Generación Y.

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Hendrix prendiendo fuego a su guitarra en el Monterey Pop Festival 1967

Haciendo esta afirmación uno se pregunta: “Bueno pero igual, más de la mitad de la música en tu iPod está influenciada por estas y otras grandes leyendas del rock, ¿No es eso relevante?” Por supuesto que la influencia siempre se quedará, al igual que su legado, honor a quien honor merece, pero el material de estos artistas tiene una fecha de caducidad. Al igual que toda la música que escuchamos hoy en día de nuevos artistas, ese material está destinado a perecer. De un tiempo para acá con los nuevos métodos de distribución a través del internet, y con la música de cierta forma “democratizada” es más fácil escuchar artistas del otro lado del mundo que tal vez no los conocen ni en su colonia. Así como evoluciona el sonido, también evolucionan las temáticas de las canciones, la estética, la interpretación de los géneros, y como lo he mencionado, la distribución de su material.

Si habláramos únicamente del sonido podríamos encontrar algunas joyas de artistas consistentes que siguen vigentes después de una, dos o varias décadas, incluso hasta la fecha, artistas como: Brian Eno, Frank Zappa, Can, Serge Gainsbourg, Pink Floyd o el mismo Hendrix. Pero todos ellos tienen en común que cuando sacaron sus obras maestras estaban rompiendo las reglas, estaban experimentando y creando nueva música, y romper los paradigmas siempre fue la función más importante del rock. Lo que pasa hoy en día es que ya no se rompen las reglas con el rock tradicional, utilizando sus mismas fórmulas, y no por esto se va a dejar de hacer música de cierto género, pero en todo caso lo que se necesita es reinventarlo para que al menos siga siendo interesante.

Entonces, el volver a tener generaciones que hagan rock n’ roll tiene un significado distinto, ellos han reinventado el género y les ha funcionado, ya no es relevante, pero sigue siendo divertido y eso se agradece; por lo tanto no hay que esperar que llegue alguien a “salvar el rock”, mucho menos que “el rock salve a la música”. Como el comercial de la revista Rolling Stone Italia en el 2013, donde proponían traer de vuelta la música “de verdad”, el rock, y eliminar “la música falsa” (¿?), en este caso la electrónica. No hay otro ejemplo más claro de que el rock se convirtió en un género supremo para muchos conservadores; la música de verdad con instrumentos de verdad. Lo que realmente incomoda a varios es que en la perspectiva actual cualquier género musical puede ser efímero, llámese: pop, hip-hop, rock, dub, ska, techno, jazz, etc., etc., y que todos se han nutrido entre ellos, incluso en los mismos géneros surgidos de internet, y esto es porque se toman en cuenta muchos aspectos que van más allá de la complejidad en la ejecución.

Por otro lado, el hecho de que tus artistas contemporáneos favoritos se hayan influenciado de todo el rock clásico del siglo pasado, no significa que te tengas que resignar a adorar sus influencias, hoy hay varias propuestas musicales que podrían exceder esas expectativas, hay que voltear a ver otros géneros y ver la música como un todo, incluso en los géneros regionales que varían de un país a otro, y de una cultura a otra. Se puede buscar más sobre artistas que no se colaron en ninguna lista de hits del rock, no es lo mismo la forma en cómo se llegaba a la fama en los 60’s y 70’s que en el nuevo milenio, hay artistas que nunca tuvieron la oportunidad de grabar con grandes sellos, tener contratos millonarios, ni tocar en grandes escenarios, y hoy se pueden encontrar en internet; hay bandas de mujeres, que tampoco recibieron la atención merecida en su época, artistas que por una u otra razón se han borrado de la historia y musicalmente tienen el mismo peso que los llamados “grandes”.

No hay que convertirnos en simples imitadores de la realidad de otros, el arte no es más que una extensión de nuestra realidad. La música siempre está sujeta a un contexto y eso no hay que olvidarlo; tal vez así se pueda tener un mayor entendimiento de esta forma de expresión, que al final es una de las pocas cosas que podemos compartir como especie.

Por Enrique Becerra