Take My Heart: Historia Oral De “Sein Dasein” De Waterfalls

Entrevistas

En el 2014 la escena de indie rock leonesa se encontraba en terrenos fértiles. Bandas como  Candy colors y Blackpony encabezaban una nueva camada de bandas influidas por los sonidos del post punk y new wave, imbuyendo de energía renovada a la escena local con sus oscuras y melodiosas canciones.

Ese mismo año vio el lanzamiento del álbum debut de Waterfalls, otra de las bandas pertenecientes a la nueva ola. Ahora, 5 años después, muchas cosas han cambiado en el panorama musical de Léon. Waterfalls a diferencia de sus contemporáneos, se ha negado a desaparecer, transformando tanto su alineación como su sonido.

Sus integrantes nos cuentan de primera mano la historia de una banda que a pesar de las adversidades ha salido avante sin traicionar su esencia. Esta es la historia de Sein Dasein” de Waterfalls. Las respuestas han sido editadas y condensadas para mayor claridad.

Waterfalls Sein Dasein Historia OralIzquierda a derecha: Erick (exbaterista), Alfonso (Bajo y voz), Isaias (exguitarrista), Ulises (sintetizadores y programación), Adad (guitarra).

PARTE 1: The Many Places I Could Hide

ADAD: En ese tiempo nosotros éramos los chavos que tenían otras bandas pero que no eran tan trascendentes en ese tiempo. Teníamos entre 18 y 20 años y teloneabamos shows de bandas que eran más grandes.

ULISES: Bandas como Inyección Naranja, Monitor, eran las que anteriormente estaban llevando la escena headliner. Posteriormente eso creó la semilla para que otras bandas quisieran hacer algo diferente. Salvo por esas excepciones, las bandas eran el refrito del refrito.

ADAD: Para ese entonces esa camada anterior de bandas fue madurando y probando suerte en otras ciudades. Nosotros surgimos de todo lo que se quedó aquí.

ISAIAS: Fue una etapa bien chida de transición, porque mucha gente venía de bandas como DogTeeth(?), Galas y Diamonds Without Shape que estaban más clavados en la onda del Math Rock. Creo que Candy Colors fueron de los primeros que comenzaron a aventurarse a algo más oscuro. De ahí salimos Waterfalls.

ULISES: Candy Colors fueron los pioneros del sonido que vendría más adelante. Ellos plantaron esa semilla y las demás bandas lo modificaron a conveniencia.

ERICK: A mi en lo particular me gustaba mucho Candy Colors, el sonido que ellos tenían era muy oscuro. Blackpony también tenían proyecto muy interesante, me gustaban mucho las rolas de su álbum homónimo.

ISAIAS: Había otras bandas que quedaron un poco relegadas como No Project y TBTF. Muchos teníamos proyectos alternos que al final quedaban relegados. TBTF siempre me pareció una bandota, sin embargo siempre quedó como la banda alterna de Cándido (vocalista de Blackpony). La escena que se generó en ese momento era más post punk y new wave, y comenzaba a haber shoegaze y algo de dream pop pero no tan explorado.

ULISES: De haber tenido la oportunidad me hubiera gustado tocar en Blackpony. Siento que entre todas las bandas underground, ellos tenían mucho potencial para sobresalir.

ALFONSO: Eran compañeros de banda y amigos, y todavía lo siguen siendo. Candy Colors y Blackpony personalmente si fueron una influencia bastante fuerte. Los veía tocar y me gustaba muchísimo como se desenvolvían en el escenario. También Frenzy y Robot Junkie Paradise las disfrutaba. Siempre que la veía aprendía algo de esas bandas. Era cuando comenzamos a introducirnos en la escena musical. Creo que es la etapa cuando lo disfrutas más.

ERICK: Se sentía el apoyo entre bandas… en ese entonces las bandas se quedaban hasta que terminara la tocada, no es como ahora que nada más llegan a tocar y se van.

ULISES: Se ponían bien perros (los conciertos). El Monaghan era una chulada, el tener el escenario pegado con la gente… a veces la sonorización no era la mejor pero era muy íntimo. Me tocó ver ahí a Candy Colors cuando aún no tenían su sonido de post punk. Estabas en tan buen ambiente que te valía madres si no se escuchaba por completo la música.

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PARTE 2: Everything Of Me

ALFONSO: La banda comenzó en 2012 como un proyecto de universidad de amigos.

ULISES: Con la excepción de Erick, todos estudiábamos donde mismo. Adad quería iniciar una banda alternativa con un sonido diferente. Venía de tocar en Kameron, una banda de rock pop. Él quería darle un giro a todo eso.

ADAD: Con Kameron tocábamos rock pop a al momento que fundamos Waterfalls nos fuimos por en post punk por que era lo que sonaba en el momento y al tiempo que lo descubrimos, se nos hizo un genero muy honesto. Es sencillo de ejecutar y con pocos sonidos y efectos podías lograr una métrica creativa en una canción.

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Waterfalls en sus inicios

ULISES: La primera alineación fuimos Isaías, Erick, Adad, Tulio y yo. No sabíamos hacia donde íbamos pero sabíamos que teníamos muy buena química.

ISAIAS: La neta yo entré de rebote. Yo me llevaba mucho con Tulio porque éramos vecinos y además teníamos la relación de la revista que teníamos antes. Me empezó a jalar a los cotorreos de los gigs y yo siempre le comenté que quería armar una banda: “Si les hace falta un guitarro invítenme”. Ellos ya estaban más o menos conformados. En ese momento estaba Ivo en la batería, pero después se metió de lleno a Candy Colors.

ERICK: A mi me invitó Ulises, ya que su baterista había partido. Yo a Ulises lo conozco desde el 2007, y ya había estado con él en una banda (típico de la preparatoria).

ALFONSO: Poco a poco fuimos adaptando nuestra imagen. nos dimos cuenta que es muy importante tener una estética.

ADAD: La conforman 3 elementos: la sensualidad, el misticismo, y una parte muy suave de oscuridad pero todo llevado de una manera muy elegante. Todo para que se conjugue en algo bello estéticamente, que sea muy pulcro y que te envuelva en una atmósfera para sentirte en paz, refugiado dentro de ella.

ISAIAS: Empezamos a sacar las primeras rolas que eran un poquito como hasta surf, en una onda más melódica. Sin los reverbs, sin delay, un poquito de distor pero no tanto. Un  sonido más puro. En esa etapa metimos a Maya (vocalista de Budaya) a que hiciera unas pruebas de voces. Nos latía, pero sentíamos que se estaba haciendo muy pop.

ADAD: Llegaba alguien con un ritmo en el sinte o un riff y sobre eso comenzábamos a trabajar. Poco a poco un proceso accidentado se volvió natural.

ALFONSO: Empezábamos a tocar y llovían las ideas. Jammeando, poco a poco íbamos aterrizando las ideas. Posteriormente integramos la letra y la métrica, que iban hasta el final.

ISAIAS: Generalmente éramos Adad y yo quienes llevábamos más riffs. No llegábamos con una canción armada, sólo pasó con Old Things”, que era una idea que yo tenía clavada y creo que hasta maqueteada con una app de celular. Cuando componíamos eran sesiones bien largas, de 3 o 4 horas e intentábamos armar la canción en un solo ensayo, y en el siguiente la estructurábamos de manera más completa.

ADAD: Las letras trataban de experiencias que estábamos viviendo, como esa transformación de jóvenes a jóvenes adultos, decepciones amorosas, estados de conciencia personales, ese sentimiento de cuando te estás conociendo a ti mismo.

ULISES: Partían de la melancolía, quizás un poco el pesimismo. Cosas que te hacen sentir mal, pero ahí están y son muy profundas y sólo queda tratar de seguir adelante.

ALFONSO: Me identificaba mucho con las letras. Creo que a todos los integrantes nos llegaban. Tratábamos de plasmarlas de la mejor manera para que las personas se identificaran con esas canciones.

ISAIAS: El nombre (Sein Dasein) surge porque me había clavado muy cabrón con la filosofía, en esos momentos estaba haciendo mi tesis. Son términos utilizados por Heidegger para definir el ser ser y el ser hacer. Nos latió porque era lo que buscábamos. Con que nos gustara lo que hacíamos a nosotros sabíamos que le iba a gustar a la gente, porque sería más honesto. Creo que eso se retrata muy bien en el disco.

ERICK: No sé si esté en lo correcto, pero la primera canción que creamos del Sein Dasein fue “Basement” e incluso fue la primera que grabamos en Control + Z studios.

ISAIAS: Encontramos a Lobo por recomendación. De los estudios más conocidos Testa estaba muy caro; Marro lo descartamos por cuestión de varo. Estábamos en una etapa donde no podíamos darnos tanto el lujo de invertirle tanto a la grabación. Nos dijeron que con Lobo se trabajaba muy chido. Casi siempre agarraba proyectos de metal, pero todos en general habían tenido una buena experiencia.

ADAD: En ese tiempo habían grabado unos amigos ahí. Gabriel Preciado, de la banda Sonar, nos apoyó mucho al principio. Lobo Solórzano, el ingeniero de sonido y productor de Control Z, era guitarrista de Sonar. Todas las canciones tenían un sentido especial, era la primera vez que hacíamos un disco en forma. Los shows eran muy enérgicos y al momento de entrar al estudio todos se volvió más aterrizado, más light. Nos dimos cuenta que teníamos que tocar mucho más limpio para no atascarlo con efectos. Es algo que hemos mantenido como estandarte hasta el día de hoy.

ERICK: Teníamos más canciones que nunca salieron a la luz y solo llegamos a tocar en los primeros eventos que tuvimos, pero las canciones que al final conformaron a Sein Dasein fueron las mejores.

ISAIAS: Lobo ayudó mucho. En el mismo proceso de grabación él mismo sobre la marcha te decía “Oye wey como ves si a lo mejor aquí metes overdrive sutil para que tenga más presencia la guitarra”. Había mucha retroalimentación. Nos ayudó un montón a todos. Había mucho entusiasmo. Algo que hacíamos era intentar tocar todo de corrido, prendiendo los pedales como hacía en vivo, para que sonara más “real”.

ALFONSO: Lobo daba su opinión, y nos ayudaba a aterrizar las ideas que no cuadraban. Aprendimos que tenemos que tener mucha paciencia para sacar un material de buena calidad, y no sacar algo por sacarlo, eso fue lo más importante que aprendimos.

ISAIAS: Éramos medio quisquillosos. Nos juntábamos en casa de Ulises a escuchar todas las grabaciones y era como de: “Es que esto no me gustó, siento que acá le podemos subir más a esto”.

ULISES: Mi principal conflicto en ese tiempo fue no sentirme lo suficientemente bueno para tocar los teclados, porque realmente nunca había tomado ese instrumento. Fue con “Cold” que pude dar el paso a tocar los sintetizadores. Fue de la que más le puse empeño en los sintetizadores. La grabé como 4 veces porque no me gustaban y retrasamos 1 o 2 meses la grabación.

ISAIAS: Entramos al estudio a grabar y al principio, honestamente no me latía mi voz. Nunca me terminó de convencer. En el momento que grabamos Basement, fue cuando cambiamos la dinámica. Creo que en cuanto al resultado nos gustó, marcó un antes y un después para el sonido de la banda. Queríamos sacar un álbum que sintiéramos que sus canciones pertenecían a un mismo lugar. Empezamos a depurar muchas canciones y empezamos a estructurar nuevas. Ayudó a que la conformación de las nuevas fueran más concretas.

ADAD: El proceso fue un poco largo, el primer sencillo salió a mediados de 2013, a principios de 2014 lo terminamos de capturar. Los interludes los mezclamos aparte muy caseramente, Tulio (Budaya) que llegó a tocar con nosotros, se encargó de esos tracks. Poncho entró a la banda y el término de capturar los últimos sencillosCostume” y Regrets”.

ULISES: Personalmente, nunca me importó si le gustaba las canciones a la demás gente. Sein Dasein era algo muy nuestro, algo que sentíamos en ese momento y que tenía que expresarse a manera muy personal. Si alguien lo tomaba a bien, pues a toda madre. No era de mi interés que le fuera a gustar a la gente.

 

PARTE 3: Dasein, El Aquí y El Ahora

ALFONSO: Hubo un muy buen recibimiento, el material valió la espera. y se abrieron bastantes puertas, creo que fue parteaguas para empezar a crecer, una parte muy importante de nuestro crecimiento.

ADAD: Al momento que los sacamos hubo muy buena reacción, estábamos emocionados por tener lugares donde presentarlo. El disco nos ayudó a posicionarnos como banda representativa nacional del movimiento post punk en esos años. Nos dimos cuenta que podíamos transmitir lo que nosotros sentíamos a la gente, uno de los factores clave que nos hizo persistir y buscar el camino para seguir haciendo música. Nuestros objetivos eran salir a tocar y exponer nuestro material a muchos lados. Generar una comunidad, pero a veces por una u otra circunstancia, económica o de compromisos personales, la relación con algunos integrantes se empezó a luxar un poco.

Debido a cuestiones personales Isaias y Erick decidieron dejar la banda en 2014 y 2015 respectivamente.

ISAIAS: La banda evolucionó y tomó un giro diferente, que creo que estuvo bien la parte de cantar en español, cosa que también marcó la diferencia para que otras bandas lo intentaran.

ULISES: Te puedo decir, cada integrante que ha caído en Waterfalls ha aportado, y siempre ha habido química con todos. Hemos sabido llevar los cambios de alineación muy bien. Por ejemplo, Paulo; yo tenía duda con él, porque venía de tocar ska y punk. O sea Falcon no tiene nada que ver, sin embargo se adaptó bien cabrón y le dio un toque especial.

ERICK: Siento que Paulo Vielma es el mejor baterista que le pudo tocar a Waterfalls, me gusta mucho el sonido que le ha aportado a la banda.

ALFONSO: Me gustaría seguir con Waterfalls espero seguir creando música con esta banda, me siento pleno, lleno y me gustaría seguir siendo parte de esta agrupación.

ADAD: No cambiaría nada de las canciones. Está bien mantener un registro: como fue que iniciaste y como es el proceso y las canciones que generas ahora. (En la actualidad) se nota una madurez, un proceso más rico. No les cambiaría nada.

Los actuales y algunos exintegrantes de Watefralls se encuentran activos en la escena de una forma u otra. 

ISAIAS: Capocanoniere es el proyecto que tengo ahorita con Kevin (Hexagrams, Knives), va por toda la onda sudamericana alternativa que es la escena más fuerte ahorita, junto con la de España.

ERICK: Desde 2016 soy baterista de NIMB, una banda de rock progresivo con la que lanzamos en 2018 un EP llamado “CORVUS CORAX”.

La vigente alineación de Waterfalls trabaja en el desarrollo de nuevo material, el cual se lanzará en forma de sencillos, dando cuenta de la capacidad de adaptación que ha mantenido a la banda activa por todo este tiempo. 

ADAD: Estamos buscando sacar contenidos de buena calidad, sacar un material más sólido, más concreto para que la gente lo disfrute y consolidar nuestro sonido como banda, y así entre todos levantar más el estandarte de que en Guanajuato siguen pasando cosas, y que estamos trabajando muy duro todos juntos.

 

Entrevista por Diego Chávez

Entrevista con Dietscha Jung: sonidos bailables creados en el abismo

Entrevistas

La combinación de beats, loops y cuerdas que se producen desde una habitación, define el trabajo de Dietscha Jung. El responsable de dos sólidos EP’s bajo este nombre, Carlos, nos platica cómo inició su travesía musical, pasando por los distintos proyectos creativos que ha liderado.

Dietscha Jung significa “joven menonita” en dialecto bajo alemán, lo que nos remonta a la tierra natal de Carlos, que no es otra más que Chihuahua, donde se concentra la mayor parte de la población menonita en el país. Ahí Carlos inició su viaje en la música desde hace aproximadamente 5 años, aunque ahora radica en CDMX.

Le preguntamos sobre su lanzamiento más reciente: “Un EP pésimamente grabado para lidiar con la timidez, la ansiedad social y baja autoestima :)”; nos cuenta que después de pasar por episodios difíciles decidió lanzar un material que plasmara sus malas rachas. La canción para la que creó el primer videoclip del EP, “Ya no quiero estar awitado”, enmarca la narrativa del disco.

Irónicamente, ninguna de las canciones en el material deja la sensación de un episodio de tristeza; todo lo contrario, cada canción aporta vaivenes de trip-hop, hip-hop y un rock lo-fi medio ácido. Sobre el videoclip, Carlos fue quien realizó la animación completa.

Conociendo el trasfondo del disco, la siguiente pregunta fue sobre el manejo de la depresión para crear música, a lo que contestó que podría ser una herramienta, porque en los momentos difíciles se encierra para hacer canciones nuevas, pero una limitación sería no compartir esa música con los demás.

Antes de Dietscha, Carlos había formado un dúo: Paul y Carlos. Esta banda versa en la electrónica con tintes de lo que hoy podemos escuchar en su proyecto unipersonal. ¿Cuál fue la razón para meterse más al campo del trip-hop y el hip-hop con Dietscha? Nos dice que siempre le han gustado mucho los beats —desde su proyecto anterior—, pero el quería algo más sucio; siempre le gustó más el hip-hop porque es más lento. 

El hecho de establecer Dietscha Jung como un proyecto unipersonal es porque entre varias personas se complicaría concretar lo que tiene en mente, “cómo expresar eso a la hora de tocar en vivo también [se complicaría],” añade Carlos. En sus presentaciones en vivo utiliza un controlador, su computadora y guitarras.

 

¿Cuál es la hora ideal para escuchar Dietscha Jung? “Es para escucharse en las mañanas, pensando en que vas a tener un buen día,” responde con seguridad. Además, vacilando un poco sobre quién debería escuchar su música, nos dijo que a los niños les gustan los dibujos que hace, por lo que podrían ser fans de Dietscha. Él hace toda la imagen del proyecto, y empezó a dibujar casi a la par que comenzó a hacer canciones, aunque la música salió primero.

Le pedimos tres palabras para describir a Dietscha, “crujiente, sabroso y buenpedo”.

Al final nos comenta que además de su próxima fecha en León —en la que por supuesto llevará merch—, Paul y Carlos prepara nuevo álbum y video, así que hay que estar al pendiente.

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Entrevista por Enrique Becerra | Dibujos de Carlos (Dietscha Jung)

 

Rebasando las barreras espacio/tiempo; entrevista con Awful Traffic

Entrevistas

 

Adolfo Rubén emprendieron su viaje en el post-rock hace casi 10 años. Su música nace en el colorido estado de Tlaxcala, donde la conexión con lo pintoresco y místico los ha llevado a cruzar fronteras con su sonido.

La inspiración intrínseca del duo llega también de diversos lados. Para su más reciente material, El Viento Predice el Futuro, la temática del álbum se inspiró en la estética japonesa, la naturaleza y una filosofía esperanzadora que mantienen los integrantes, de ver siempre hacia adelante.

La banda tuvo 20 conciertos y estuvo en 6 estados diferentes durante el 2017. Este año se han mantenido con gran actividad, apareciendo en la pre-fiesta del Forever Alone Fest en Tlaxcala y con una gira en curso junto con Kinder.

A: Adolfo / R: Rubén

  1. Awful Traffic siempre se ha mantenido como banda instrumental ¿por qué decidieron hacerlo así y con solo dos integrantes?

A: Awful Traffic nació el 8 de marzo de 2008 ya estamos a punto de cumplir 10 años. Al grabar nuestro demo en el 2010 nos dimos cuenta que podíamos expresar mucho sólo tocando música y no cantando. Desde entonces la banda ha hecho música instrumental. A parte nos encanta la idea de que la gente le dé un significado a nuestras canciones o recuerde un momento, una persona o un lugar.

R: Creo que fue la esencia que desarrolló la banda, aparte creemos que la música puede ir más allá de las palabras y somos 2 porque así fue como se acopló nuestra música.

  1. Hay una evolución clara desde su primer álbum, además de musicalmente, en sus videos y arte en general. ¿Cómo se han dado estos cambios?

R: Cada disco es un concepto diferente, además de tener una perspectiva diferente en la música, siempre ha sido importante conectar con esa parte.

A: Estos cambios se dieron a través de una evolución como banda. Deja al Sol Brillar (nuestro 1° álbum) fue el inicio de todo, es un disco que siempre lo llevaremos en el corazón porque nos abrió muchas puertas e hizo que conociéramos gente increíble. El Viento Predice El Futuro es un disco más pensado, más estructurado y con una idea más clara de nuestro sonido.

  1. ¿De dónde surge la idea de usar las máscaras y llamar “arqueros” a quienes los escuchamos?

A: Las máscaras surgen por nuestros animales favoritos a mí me gustan los lobos y a Rubén los osos. También por el concepto del disco queda perfecto porque somos unos guerreros (lobo y oso) que están buscando algo. La conexión con la naturaleza es vital e importante. Los arqueros de la luna les decimos así por un cuento que en resumen es «Maestro, quisiera ser el mejor arquero del mundo, ¿qué tendría que hacer para conseguirlo?». A lo que el maestro contestó: «Si quieres hacer realidad tu deseo, debes alcanzar con una flecha la Luna. Si lo lograras, tú serías el primero y nadie te cuestionaría que eres el mejor del mundo». Consideramos a nuestros fans como los mejores del mundo, ya que sabemos que no dejan de luchar por sus sueños.

R: Las máscaras son un reflejo de nuestras personalidades, arqueros son aquellos soñadores que quieren alcanzar sus sueños, así nos identificamos.

  1. ¿Qué diferencias encuentran ustedes de tocar en Tlaxcala, siendo tlaxcaltecas, a tocar en el resto de la república?

R: Cada estado es diferente y tiene algo especial, Tlaxcala es nuestro hogar pero tocar fuera de él es algo increíble para nosotros.

A: Realmente en general en los diferentes estados que hemos estado tienen cosas similares, Tlaxcala ha tenido momentos inolvidables. Viajar con nuestra música ha sido algo increíble. Así que le tenemos cariño a todos los lugares y personas que apoyan la escena mexicana independiente.

  1. 3 cosas que tenemos que hacer si visitamos Tlaxcala:

A: Venir al festival de títeres, probar nuestra gastronomía (escamoles, pulque, gusanos de maguey, mixiotes, las quesadillas de huitlacoche) y turistear por la ciudad (es muy pintoresca)

R: Probar las quesadillas de zetas, probar el pulque e ir a La Malinche. 

  1. ¿Nos podrían platicar un poco más sobre el concepto que trabajaron para “El Viento Predice el Futuro”?

R: El Viento Predice El Futuro es un concepto más clavado, detallando cada parte del disco, haciendo una experiencia auditiva.

A: El Viento Predice El Futuro es una mezcla de emociones. Hicimos un disco continuo porque creemos que es como la vida tiene momentos buenos y malos pero siempre sigues adelante, siempre habrá a donde llegar, nuevos sueños, nuevas fronteras, la felicidad como parte fundamental de una vida, donde el destino no produce miedo, produce esperanza.

Cada track tiene un significado por ejemplo:

  • Ikigai (Intro) *Es la razón de vivir, eso que hace que te levantes cada día, para encontrarla suele ser necesaria una profunda búsqueda interior*
  • Gaman (Se refiere a la resistencia y la capacidad de seguir intentando algo a pesar de las adversidades, o de seguir luchando a pesar de que parece que todo está perdido)
  • Wabi-Sabi (Es una forma de vida que se centra en la búsqueda de la belleza dentro de las imperfecciones de la vida, y en aceptar pacíficamente el ciclo natural del crecimiento y decadencia)
  • Algo Extraño Sucedió en Ukiyo (Mundo flotante y se refiere al estilo de vida que consisten en vivir el momento alejado de las preocupaciones de la vida)
  • Komorebi (Se refiere a la luz del sol que se filtra a tráves de las hojas de los árboles)
  • Yūgen (Literalmente quiere decir profundo o misterioso. Se refiere a un conocimiento del universo que evoca sentimientos emocionales que son inexplicablemente profundos y que es demasiado misterioso para las palabras)
  1. ¿Tienen alguna canción favorita de su último material?

A: Del antiguo disco me quedo con Insights y 500 Días. Del nuevo Komorebi, Ikigai y Cráter Lunar.

R: Cada una tiene algo especial.

 

  1. Después del Forever Alone Fest y su gira con Kinder ¿qué es lo que el viento predice para la banda?

R: Trabajar y concretar más fechas fuera y dentro del país.

A: Sacar más videos oficiales, conseguir más fechas dentro y fuera del país, sacar viniles (eso es el sueño principal) y obvio tocar muchas veces en León, Guanajuato 😉

 

Entrevista por Enrique Becerra

Fotografía de Gabriel Ahuatzi

Entrevista con Kevin Cervera; Knives

Entrevistas

Knives es el proyecto dirigido por Kevin Cervera. En el corto tiempo de vida de esta propuesta Kevin ha cosechado sus experiencias como músico, dejando al descubierto sus sentimientos a través de guitarras dóciles y sintetizadores envolventes.  Recientemente estrenó un video paraSpells. El track forma parte de Stuck Inside Yr Daydream, su primer EP de 4 canciones. Le hicimos algunas preguntas para conocer más acerca de este viaje.

  1. ¿Qué te impulsó a iniciar Knives?

El hecho de que no estaba creando cosas nuevas y me sentía estancado con mi otro proyecto, y tenía muchas ideas que ya no encajaban con lo que hacía en el momento y no podía explotarlas; así que fue la razón principal por la que decidí crear algo nuevo.

  1. Siendo bedroom rock Knives se siente como un proyecto muy personal ¿Es más íntimo el proceso para componer y escribir canciones con Knives que con Hexagrams?

Totalmente, Knives soy yo (literal porque es un anagrama de mi nombre que da juego a un significado). Las letras de Knives sí son situaciones muy personales, crisis nerviosas y problemas o sentimientos por una persona en específico. En cuanto a composición siempre está como una base en guitarra ya totalmente compuesta, y al procesarla a ser una canción con banda completa ya no soy yo nada más; está Miguel Aguilar que tocaba synth y bajo en Hexagrams, y junto con él hago más detalles y agregamos instrumentos a las bases. Es más esa parte de darle solidez y forma a lo que inicio.

  1. El primer material de Knives que escuché fue en un video para “Catvvalk” ¿De dónde salió el video que utilizaste?

Es de una película que se llama Boy Meets Girl (la ochentera). La vi hace algunos años y tiene una línea que me marcó mucho, y que marcó el hecho de que iniciara con este proyecto: “I’m going to wind up a loser. Yet I stood a chance. I wanted to be someone outstanding: flyer, traveler, musician… Can’t I be reborn?”  Es como que te das cuenta que ya no estás tan chavito para cambiar muchas cosas en tu vida y probablemente dejaste muchas cosas de lado por hacer nada pero todavía quieres una oportunidad más; en general catvvalk habla sobre eso.

 

  1. Sobre esta misma canción hay una descripción en Bandcamp que dice que fue grabada de la manera más lo-fi posible. ¿Cómo fue el proceso de grabación de esta canción y el resto del EP?

Sí, esa en específico fue grabada muy diferente al ep en general. Se suponía que cuando nos juntamos a grabarla solo sería para ver pruebas de sonido y ver qué se nos ocurría, pero llegué con esa canción y decidimos grabarla y ver qué salía. Yo grabé la batería y ni siquiera sé tocar; no usamos micrófonos adecuados para grabar ese instrumento, y se nota; muchas partes fueron improvisación ya escuchando la guitarra grabada. No quisimos re-grabarla después porque creí que al final ese era el feeling de esa canción, y encajaba muy bien con todo lo que decía y sentía en ese momento.

Las demás sí tuvieron más tiempo de creación y ‘producción’; se grabaron instrumentos con mejor equipo y hubo más atención en las baterías. Todo lo mezcló y masterizó Miguel.

  1. ¿Cuáles son tus influencias musicales más grandes?

Elliott Smith, Ryan Adams, y hoy en día creo que El mató a un policía motorizado podría entrar en un top de mis mayores influencias.

  1. Tres cosas relacionadas a la música que te gustaría que Santa Clós te trajera para navidad:

1.- Un baterista nuevo para poder seguir ensayando todas las canciones nuevas que tengo.

2.- Un pedal de loop para poder hacer solo sets; grabaría la guitarra de acompañamiento y tocaría las armonías y figuras ya en vivo.

3.- Que vuelvan a abrir el último Chumani para poder tocar cada semana ahí e invitar a otras bandas. Sé que hay nuevos foros pero ese lugar tenía algo que me hacía sentir más feliz tocando ahí.

  1. Si pudieras abrirle a cualquier artista (vivo(a) o muerto(a)) ¿A quién escogerías?

SoKo

  1. Después de tu experiencia con Knives este año ¿Qué camino te gustaría que tomara el proyecto en 2018?

Consolidar el proyecto en todos los aspectos, hacerlo más real; tocar más en vivo, sacar un nuevo material, darle continuidad a videos y colaborar más con otros proyectos.

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Portada de “Stuck Inside Yr Daydream” por Gabino Azuela.

 

Por Enrique Becerra

Interview to Coral Florist

Entrevistas

 

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1. Throughout this year you have released several EP’s on Bandcamp. How was the process of composing Zodiac Time? Was it different from your previous releases?

It’s very different. I made this album mainly over the Christmas break of last year, so I stayed in my room for a couple weeks working on the music and not doing too much else. I enjoy the places this project takes me. Nothing is digital except for the tracking and minor in-software editing/effects. I enjoy working with my collection of gear to find new sounds and layer things in new ways. I also have a lot of fun writing and recording vocals, which is a big part in this project. For Coral Florist, the instrumentation and vocals usually fall into some sort of song writing format, where there are verses and choruses, etc. When thinking of other musical projects I try to let these types of pop formulas seep in very sparingly, but I made Coral Florist my place to have that expression unfettered.

2. As a DIY artist what influences you the most in the making of your music?

Your limitations will directly dictate your sound. I often choose to work outside of in-software composition, so the sonic palettes that I record in sound the way they do because of my collection of keyboards and gadgets. In essence, my finished music relates to my composition of the sounds that are from the instrument that I found in someone’s garbage. Trash picking isn’t a very musical thing, but it relates to the constant adaption and flux of life. I think a common easy way to seek items out (whether it’s paint or a new skateboard or an instrument) is to just buy them with money, people do it every day. Personally I like letting the things come to me whether it’s through someone’s garbage or through friends etc. I’ve learned to make use out of things people don’t want to use. At the same time, when I have something I don’t use or want I like to keep it moving and find the right owner for it. In hindsight, a keyboard I found on my neighbor’s curb was the vital instrument for multiple projects, so you really have no idea what you’ll make with what you’re given.

3. We found out you have a website: jonprokopowitz.com, what other art projects do you have besides your music?

I’ve made a few projects under the name “Badplant”, some being a series of zines as well as 50 episodes of an online radio show. Now I put more of my things on a blog called “Feng Shui Friends”. I post art, comics, mixes, little podcasts, and I put out a weekly email club. Besides that I make paintings, sculptures, and other things that can be found on the site.

skate

4. There are several underground artists that depend on the internet to exist. How do you think this has changed the relationship between the artists and their audience?

At it’s root, the internet has an immediacy to it. From the standpoint of artistically existing primarily on the internet, it feels very saturated. Along with this though, it gives everybody a chance to be noticed and shared. It really keeps me on my toes because most of the time I’ll put something really elaborate out and get no response at all. This lights a fire for me to move on to the next thing and try to make it even better. That being said, I do have a super cool group of friends that always checks in on what I’m doing and gives my stuff a like.

5. Have you ever thought about taking your music outside of the internet and getting into the local scene? Why or why not?

I don’t think I’ve given too much thought to it because I’m not very confident in my musical abilities in a live sense. I’ve been able to pick up and jam on a bass for years, but keyboard parts always take so many tries to get perfect when recording. I don’t read music or know which notes make up which chords where, it’s more in my head. Nowadays nearly all songs are born from voice recordings on my phone, which naturally comes from catching a good tune while humming. Depending on the project it feels more or less like fishing for something good, the brain is a magical thing. I feel like the “scene” around here is more in NYC than directly local, I live relatively close but I really dislike going there by myself. There’s a lot of stress and weird vibes for me in the city. I’m more in the mindset of “making stuff” here than trying to “make it” somewhere else, so it makes more sense to me to keep working on whatever’s at hand.

6. Is Jon Prokopowitz the only one behind your Bandcamp page, “Money House Blessings”?

Yeah, I think when I first made the page I wanted it to feel like a fake label, where it looked like multiple people putting out things. Maybe I succeeded in that, I can’t really tell from my perspective. There’s one section of a project I didn’t make, I coaxed my friend Carson into having his “N@ GEO” set on the “MHB 2k14 Mix”. Besides that, some other projects on that mix as well as the Dusk .FM series are more “remix/rework” heavy, but everything else I created from the ground up.

7. Have you planned other projects with Coral Florist after Zodiac Times?

Nothing set in stone. the idea of a split with someone has been bounced around. I’m very open to working more in this project though, it gives me a lot of enjoyment crafting these types of songs.

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Zodiac Times

Interviewed by Enrique Becerra